O que a arte pode fazer quando o horror te chama?
O que a arte pode fazer quando a própria civilização está perdida?
Já estive aqui antes, meio século atrás.
Voltar é como o retorno de um sonho ruim.
Theresienstadt. Terezin em checo.
Fica há uma hora de carro de Praga,
uma cidade guarnição do século 18.
Bastiões no estilo clássico,
ruas limpas, uma praça gramada para desfiles.
Foi também o palco montado para uma charada perversa,
uma cultura impostora.
De 1941 em diante, Theresienstadt foi enchida com Judeus,
150.000 no total, deportados de toda a Europa central.
Para iludir o mundo a acreditar que eles estavam sendo tratados humanamente,
cenas alegre de rua foram encenadas e filmadas.
Havia futebol...
um teatro infantil.
O que as câmeras não registraram foi a verdade.
A cidade transformou-se num gueto aterrorizado,
espancamentos, enforcamentos e fuzilamentos.
No coração desta fraude maligna estavam as crianças.
Separadas dos pais,
brincavam e atuavam para as câmeras SS.
Quando foram enviadas para Auschwitz, seriam as primeiras,
seguidas pelos idosos, a serem mandadas para as câmaras de gás.
Em dezembro de 1942, uma professora de arte foi deportada para Theresienstadt.
Friedl Dicker-Brandeis, treinada na Bauhaus,
encheu sua magra bagagem permitida
não com roupas mas com materiais de arte.
Sem filhos ela própria, ela seria uma mãe da arte para as
crianças em Theresienstadt, feroz e inspiradora.
Neste prédio, ela mantinha aulas de arte e dava às crianças
uma fuga momentânea, ainda que apenas na sua imaginação.
Depois da guerra, duas malas escondidas por Friedl foram encontradas no campo.
Continham 4.500 peças de arte feitas pelas crianças.
Estas imagens estão cheia de voos, literalmente, de mentira.
Este é o sonho de voar. Quando queremos estar em outro lugar,
sonhamos voar,
e temos essa figura, não é uma bruxa, que voa sobre uma cama.
Temos essa pequena figura com cabelo vermelho que está sonhando,
com um braço estendido
como um maestro conduzindo uma música celestial.
Quem é ela? Ella Steinova,
e está viva, ela sobreviveu.
Que bom. Do olhar sangrento dos malditos nazistas.
Ela sobreviveu, deus a abençoe.
Esta é uma imagem de borboletas enormes que
pousaram numa flor enorme de cores gloriosas.
Esta é Ruth,
Ruth Gutmannova, que não sobreviveu, que foi assassinada,
provavelmente em Auschwitz.
E temos coisas escorregadias, medusas e enguias
e algas marinhas e anêmonas,
todas suspensas lindamente
num lugar onde não podem te pegar, submarino.
E o voo continua.
Tem outra visão bem pungente de alguém com 9 anos olhando
da janela para uma paisagem imaginária de luz e ar.
Aqui, um trem. Surpreendente.
Não sabiam ainda que os trens eram...
o anjo da morte, sério.
Profundamente comovente.
Um que gosto muito, é um recorte
aqui embaixo de Eliana Mandlova,
que também não sobreviveu,
é de novo uma visão aérea
de uma paisagem imaginária de árvores e montanhas,
mas a paisagem imaginária é feita de um pedaço de formulário
oficial de algum tipo, datas e colunas.
Aqui o material da burocracia, papel de arquivo, foi
transformado pela arte num lugar onde estas crianças podia passar um tempo
e sentirem-se vivas e livres.
Das 15.000 crianças que passaram por Theresienstadt,
apenas 150 sobreviveram.
Friedl Dicker-Brandeis foi assassinada em Auschwitz em 9 de outubro de 1944.
Mas graças a ela, os desenhos dos seus jovens alunos
permanecem inextinguíveis.
Cada imagem desafia
a desumanização que era o propósito do Holocausto.
Mas cada imagem também suplica uma questão maior.
O que a arte iria fazer para enfrentar um século de guerra total e genocídio...
um século de revoluções...
um século de mudanças sociais e tecnológicas profundas...
É um passo pequeno para o homem, mas um salto gigante para a humanidade.
um século no qual todos os estatutos duramente alcançados
da arte foram rasgados e postos de lado?
Estaria a arte destinada a tornar-se nada mais do que um lazer de domingo à tarde?
Ou ela buscaria ser algo mais profundo, mais duradouro,
uma maneira de reimaginar o mundo?
Estaria ela satisfeita em ocupar um canto de nossas vidas
ou almejaria ser o centro dela?
Será a arte do nosso tempo apenas um burburinho e uma moda,
um bom investimento para os ricos,
ou será uma necessidade absoluta,
a luz da centelha vital da humanidade?
Esta é uma das respostas que a arte dá aos infortúnios do mundo moderno,
não apenas à sua brutalidade mas também ao seu materialismo frenético,
é uma resposta bem Zen.
Em 1987, o empresário japonês Soichiro Fukutake decidiu
que as cidades japoneses haviam se tornado infernos vivos de alienação
e consumismo vulgar.
Ele comprou metade da ilha de Naoshima no mar interno de Seto,
e nela criou uma ilha da arte.
Seria um santuário para grandes obras da arte moderna
e, por seu próprio mérito, um lugar de contemplação.
As pessoas viriam e mergulhariam no seu poder estético
e pureza espiritual.
E ao fazer isso, toda a feiura
e violência da vida contemporânea seriam removidas.
Seriam postas em contato com as formas elementares do universo
e desse modo com seus verdadeiros eus.
Podemos chamá-la de yoga retinal,
cura através da visão purificada.
Em sua simplicidade radical, o Museu de Arte Chichu,
projetado pelo arquiteto Tadao Ando,
é um testamento à duradoura fé moral do modernismo
e seu credo central propõe que a reparação da civilização só
é atingida quando o tumulto obsoleto do passado for superado.
Um século atrás, os profetas do modernismo tentaram
demolir os pilares sobre os quais a arte havia repousado por milhares de anos,
a figura humana e o rosto,
o drama da abundância natural...
e o tesouro interminável das estórias sagradas e profanas.
Mas o que seria posto em seu lugar?
Bom, porque não, diziam os modernistas,
apenas aquelas coisas intrínsecas no fazer da própria arte,
linha, forma, cor?
Era nisso, em todo caso, que o pintor holandês Piet Mondrian
acreditava e tornou-se a busca da sua vida.
Foi uma longa odisseia. Nos primeiros anos do século 20,
na Zelândia, sudoeste da Holanda,
ele pintou um velho farol.
As cores gritantes do expressionismo
foram apunhaladas em quadrados tipo telha com a ponta de um pincel de pêlos de porco.
Conforme o ânimo da sua visão tomava conta,
dunas de areia poderiam ser de ondulações turquesa com nervuras douradas.
Mas essas pinturas ainda são representações dos seus temas.
Não foi até o outono de 1914 que Mondrian teve uma epifania
que traria a verdadeira abstração ao mundo.
Estava sozinho com seu álbum na praia.
E foi, eu acho, por causa daquela solidão
que agora uma coisa dramática aconteceu.
Ele foi petrificado pelo brilho da luz sobre as ondas...
atingido pelas linhas do quebra-mar alongando-se dentro do mar.
Mas ao invés de pintar sua aparência, ele transformou
a pós-combustão da impressão num tipo de notação rítmica,
apenas linhas verticais e horizontais.
Esta era uma linguagem visual completamente nova.
Agora era a arte sozinha.
E Mondrian estava só por sua conta, sem tema, sem modelo,
apenas folhas de papel e telas num lugar onde ninguém havia
estado antes, o grande e ilimitado espaço da visão abstrata.
Na Paris dos anos 1920, Mondrian simplificou e ampliou.
Painéis de cores primárias eram cercadas numa grade, a profundidade era plana.
Tudo na grade era tão
perfeitamente calibrado com equilíbrio que poderíamos olhar e olhar e
cruzar a soleira da impressão para dentro do universo auto-contido de Mondrian.
Para os artistas, as grades eram mais do que apenas jogos decorativos.
Eram exercícios de meditação,
entradas para um lugar de harmonia profunda.
E não eram destinadas apenas para galerias ou salas de estar
mas como todo um programa de reeducação visual,
capaz de curar o mundo.
Embora as grades pareçam simples,
são na verdade milagres de cálculos óticos refinados.
As cores incham e pressionam contra as varetas da armadura,
ou senão caem cativas no seu confinamento.
Estes planos coloridos, que deveriam parecer inertes
e triturados até a morte, são campos de força vivos.
Em 1940, para escapar do contínuo desastre da guerra
na Europa, Mondrian mudou-se para Nova York, uma cidade construída numa grade.
Mas essa grade movia-se e chocava com luzes, negócios e música.
Como ele não poderia responder a uma cidade balançando com energia sincopada?
As pinturas representam uma
saída tão revolucionária para Mondrian como foram o píer e o mar
todos aqueles anos atrás.
Ele pega a fórmula clássica das suas pinturas com grades
e as joga pela janela do 30º andar.
Esta é uma imagem sobre animação.
É óbvio que é afetada por Nova York.
É claro que pulsa com energia. Porque aquelas linhas estão quebradas,
se não para fazer a pintura pulsar, tremer, brilhar e oscilar?
A abstração tinha sido, sob a autoridade presidencial de Mondrian,
um negócio deliberadamente sóbrio, austero.
As pessoas o tratavam quase
como se fosse um sacerdote da pureza filosófica,
e aqui ele está fazendo o quê? Brincando.
Broadway Boogie-Woogie foi seguida por Victory Boogie-Woogie.
Apesar de inacabada na morte de Mondrian em fevereiro de 1944,
quando a vitória ainda estava longe de acontecer,
os remendos e tiras de papel colorido,
que Mondrian podia deslocar para refinar a composição,
dão a ela um bailado, uma energia cintilante, quase como se
ele pudesse antecipar a celebração que viria.
É oficial, está acabado. É a vitória total.
Aquela sensação de energia liberada, jubilante, foi
sustentada pelas abstrações pintadas em Nova York depois da guerra...
as abstrações pululavam com a vitalidade do expressionismo.
As imagens de Jackson Pollock eram monumentais em escala
e ferozmente físicas na execução.
A sutileza calculada de Mondrian fôra posta de lado
pelo chicotear instintivo, gotejante e besuntado.
Era um ato "olhe para mim", e quando olhávamos,
percebíamos o laço ininterrupto do drama da criação da pintura.
Mas de algum modo nada disso se dissolvia em caos.
O que os melhores Pollocks entregavam
eram uma rede de linhas e cores orquestradas com ritmo.
Pollock e outros gigantes do expressionismo abstrato foram
saudados como individualistas heroicos...
a resposta para a linha de produção Tecnicolor glamorosa
da vida americana.
Sim, veja as penas voarem quando as garotas mais
comentadas de Hollywood saem preparadas para o grande jogo.
# Diamonds are a girl's best friend... #
Mas talvez houvesse outro modo de olhar aquele brilho,
um olhar irônico que o tornaria uma iconografia americana.
# ..big baguettes Time rolls on... #
Aqueles artistas que escolheram não torcer o nariz para a cultura popular
mas trazê-la para dentro de sua arte claramente deviam algo para aquela
velha tese de Marcel Duchamp,
de que qualquer coisa pode ser arte desde que seja taxada assim.
# Tiffany's!
# Cartier!
# Black Star... #
Para os altos sacerdotes da abstração, o popular era um ultraje,
um chafurdar no lixo do qual a arte supostamente deveria nos redimir.
Porém, essa ganância visual que fez da arte contemporânea
um sucesso, o senso de que a qualidade da arte
e sua sutileza não iriam necessariamente ser comprometidas por sua galhofa.
Mas é claro que, gostar da arte pop não significa dizer que não podemos
também nos rendermos aos grandes engenhos abstratos.
Tudo isso alimenta o
universo espetacular da arte de hoje.
Mas, existem alguns artistas contemporâneos para quem nem
a abstração ou a arte pop são suficientes,
porque eles querem retornar à origem, à missão moralmente carregada
do modernismo, resgatar-nos da entorpecente rotina da vida diária.
Eles querem trazer-nos resumido, trazer-nos para perto do drama
da condição humana, fazer-nos ver,
sentir e pensá-lo intensamente novamente.
Acontece que para fazer isso, precisam retornar
e ocupar-se com todas aquelas coisas que a arte moderna pensou
ter banido para sempre: a figura humana, os materiais da natureza e,
acima de tudo, aquelas estórias intermináveis e assombrosas
que nunca, jamais vão embora.
Nos arredores de Paris, no que foi antes um depósito, estão os
estúdios de um artista que tem se dedicado a ocupar-se com a história.
O que foi outrora um estacionamento está cheio de modelos e caças acidentados,
quase de tamanho real, todos feitos de chumbo.
Papoulas de chumbo e girassóis brotam de alguns deles.
E o lugar é repetidamente sobrevoado por
aeronaves de um aeródromo vizinho, como se a guerra ainda estivesse acontecendo.
No depósito, arquivos e materiais de pesquisa
do grande mestre na recuperação de memórias, Anselm Kiefer.
# Der kleine, weiche Strauss
# Den ich dir geschickt ins Haus... #
Nascido como eu em 1945, logo antes do final da guerra,
Kiefer cresceu numa cultura de lugar bombardeado,
onde deter-se sobre a história recente era julgado nocivo.
Eu conheci tarde a história alemã.
Na escola, não tínhamos muito sobre a história alemã.
Tinha Alexandre O Grande,
o Barroco e depois a Renascença,
e depois os nazistas, o 3º Reich, eram só duas ou três semanas, também.
Mas ensinaram alguma coisa,
porque pensei que tinha me dito que não havia nada disso.
Mais tarde, quando já estava na escola de arte, encontrei por acidente...
Não sei como aconteceu...
um disco que os americanos produziram para explicar o que foi a história alemã,
os últimos 15 anos. - Nunca me disse isso. Um disco?
E tinha a voz de Hitler.
Die Partei wird fur alle Zukunft
die politische Furhrungsauslese des deutschen Volkes sein.
Eu fiquei tão impressionado e fascinado, e assim...
..abgestossen, auch. Abgestossen.
Repelente. Sim. Repelido e fascinado
pela voz de Hitler, sabe.
Foi então
que comecei a estudar sobre a história alemã.
..diese Zukunft restlos uns gehort.
O primeiro projeto de Kiefer chamava-se Ocupações...
uma combinação de performance e fotografia,
poses satíricas para romper a conspiração do esquecimento...
um abridor de feridas.
E lá foi ele onde as divisões Panzer tinham ido,
amiúde vestindo o uniforme da Luftwaffe do seu pai,
Sieg Heil para o cenário
mas também para a memória sedutora da arte alemã.
Mas só provocações artísticas
não teriam feito de Kiefer um grande artista.
Isso fez.
Pintar grosso com a memória,
fisicamente incrustada com os detritos da destruição da história...
imagens que relembram as cidades rebentadas,
bombardeadas, na qual o próprio Kiefer cresceu.
Mas olhe com atenção.
São nomes, escritos pela mão de aranha de Kiefer,
grandes vultos de todos os povos germânicos
da história, cultura, arte...
pintores como Durer, generais como Wallenstein,
uma reunião indiscriminada dos talentosos e dos perigosos.
Seus nomes relembram de um prédio
e dum momento no qual a identidade nacional alemã tinha sido formada.
Este é o Walhalla, perto de Regensburb,
concluído em 1842, o projeto xodó de Ludwig, rei da Bavária.
Ele aproveitou a crença nórdica de Valhalla, lugar de descanso para os
grandes guerreiros caídos em batalha, e germanizou-os,
enchendo esse panteão neoclássico com bustos,
heróis da cultura alemã...
os mesmos nomes que Kiefer inclui em suas pinturas.
Nos anos 1930, é claro, Valhalla tornou-se
um local de peregrinação cultural para todo nazista que prestasse.
Kiefer chamou uma exibição recente em Londres de "Walhalla".
No seu corredor central, a memória alemã tornou-se uma enfermaria de hospital.
As camas estão vazias...
etiquetadas, como se seus ocupantes tivessem
falecido, as obsessões da mitologia alemã
retiradas do mortuário da história.
O trabalho de Kiefer sempre me comove
porque a obra parece partilhar a versão do historiador
do juramento de Hipócrates, promover guerra contra o esquecimento.
Suas vastas paisagens são geralmente sujas e enfumaçadas.
Nelas, ele lança linhas de trem fatídicas
estendendo-se numa distância remota,
onde o ponto de fuga da perspectiva
é também o lugar de fuga para as pessoas.
Bom, bem-vindos dentro da cabeça de Anselm Kiefer.
Que lugar, hein?
Ele o chama de arsenal, mas as únicas armas que temos aqui
são as coisas mais importantes para Kiefer, memórias.
E lá estão elas, impressas em rolos de chumbo.
Ele adora o chumbo como mídia. É uma escolha incomum,
e a sensação de que é nociva a torna perfeita para Kiefer.
São impressões de todo tipo de catástrofes
e calamidades naqueles rolos e fitas penduradas.
Isso é um tipo de arquivo, não é?
É um arquivo do seu mundo particular.
Temos as etiquetas das suas estórias favoritas,
temos os nomes dos heróis ali.
Aquela meada de cabelo loiro, Lorelei,
as Rhinemaidens, que atraiam os marinheiros para a morte nas rochas.
Temos Freia e Hodr, todo tipo de deuses e heróis reunidos aqui.
Eu devo dizer que este lugar faz meu próprio estúdio parecer
asseado em comparação.
Mas esse é o tipo de lugar que sentimos
tropeçar depois de uma bomba ter sido jogada nele.
Ela foi abandonado. Tem outra coisa
nesse lugar, que não é apenas um arquivo, apenas um arsenal.
Para mim, é uma capela.
E ali está o altar, não é?
Aquelas fitas de chumbo com fotos impressas estão apoiadas
sobre outro instrumento da memória, uma impressora.
Se o trabalho da vida de Kiefer é evitar que o passado seja esquecido,
ele não está sozinho nisso.
As memórias vivem e ardem, mas geralmente são memórias editadas,
histórias personalizadas, encobertas, e apenas os mais valentes,
os artistas mais resistentes podem entrar nessas zonas de batalha.
Kara Walker nasceu na Califórnia
mas cresceu sob a sombra de uma destas memórias ocultadas.
A Stone Mountain se eleva perto de Atlanta, Geórgia.
Na face da montanha, o maior relevo esculpido
do mundo comemora os líderes da
Confederação Americana.
Jefferson Davis, Robert E. Lee, Stonewall Jackson,
os principais defensores do direito de ter escravos,
o pano de fundo perfeito para uma reunião de família.
Amigos ou colegas vão falar sobre Stone Mountain
apenas como recreação, tipo, "Vá para Stone Mountain..."
Um lugar para fazer piquenique? Vai ter um show de laser...
Claro, eles têm corridas e jogos...
- Você foi num show de laser? - Bom, não até ter 16 anos,
com alguns amigos hippies, recebíamos aqueles olhares...
Eles fazem uma recriação animada dos heróis confederados marchando
em seus cavalos e depois vemos uma animação
de Ray Charles cantando Georgia On My Mind.
# Georgia
# Georgia... #
Deveríamos dizer também que esse é o lugar onde a moderna
Ku Klux Klan foi fundada... em 1915.
As estrelas, as listras e a trilha sonora de Ray Charles diz,
"Tudo está bem agora,"
mas o relevo consagra os valores dos estados Confederados
escravocratas e Stone Mountain tornou-se o local para
reuniões anuais da Klan.
Você não conversava sobre isso na escola ou com a família?
Não falávamos sobre isso nem mesmo quando recebi bandeiras americanas
com folhetos da Ku Klux Klan na caixa do correio.
Todo mundo recebeu, não era uma ameaça de morte, apenas um aviso,
sabe, acho que fiquei... Fiquei perplexa mas não
me lembro de ninguém falando sobre isso.
Não foi a primeira vez que recebi folhetos da Klan na minha vida.
Tornou-se uma coisa comum...
Que bom podermos dar risada disso, você principalmente,
mas é muito sinistro. - Claro.
Por mais de uma década ela tem feito uma arte
desafiadora de resistência. Usando a negritude inescapável
da tradição de silhuetas para esvaziá-las de seus mitos e piedades.
Ao invés de histórias sentimentais, aquelas presentes
nos livros infantis, estas silhuetas retratam
as violações e os tormentos da escravidão.
Em A Sutileza, termo dado às confecções antiquadas
levadas às mesas dos europeus aristocratas,
a amarga história das gostosuras feitas pelo trabalho escravo
está encarnada numa figura colossal tipo esfinge
esculpida com pasta de açúcar.
Cercada por pequenos servos de melaço gotejante.
Foi feita na estrutura vazia de uma antiga fábrica de açúcar,
é um bom lema preto e branco para todo tipo de decadência.
Mais recentemente, começou a fazer colagens de desenhos
usando tinta nanquim, embora as sombras cinzas sejam apenas técnicas,
não morais.
Uma exibição recente mostrou, num gênero horror/comédia,
o interminável teatro da violência americana, passada e presente.
A peça principal da exibição não era apenas montanhosa em escala,
seis metros de largura e três metro de altura,
como se fosse uma resposta para o colossal exagero estúpido
de Stone Mountain.
Neste enorme penhasco de crueldade, personagens históricos entram em choque
com seus parceiros escolhidos.
Stonewall Jackon aponta seu revolver para James Brown.
Há mestres de escravos estupradores e Panteras Negras.
O atual ocupante do Salão Oval esconde-se contente,
defecando debaixo do roupão de um homem da Klan.
Estas imagens relembram outro olhar sombrio sobre o insuportável...
o confronto impiedoso de Goya com o horror.
Não é só...por que fazemos essas coisas?
Mas... por que suportamos olhar para elas?
Houve uma boa vontade compartilhada
durante um tempo desde... pelo menos durante a minha vida...
Na eleição de 2008!
Exatamente. E 2012. 2008, 2012, havia uma coisa que parecia...
"Sim, sim, somos melhores do que todos esses eventos que aconteceram,
esses atos racistas que aconteceram por décadas,
há séculos." Mas...
...claro, aquilo acabou tão rapidamente, tão catastrófico...
Tão violentamente.
Caramba...
Nem toda arte comprometida com a resistência da tradição
termina num palco brutal e combativo.
O artista ganense El Anatsui vive e trabalha na Nigéria.
- Acho que está bom. Suas tapeçarias lustrosas, brilhantes,
parecem fluir pela parede como um tecido macio suntuoso.
Esta manta imensa foi feita
com milhares de tampas amassadas de garrafas.
De bebidas alcoólicas, uísque, rum e cerveja.
Mas são tradados quase como se fossem a obra
de um criador de mosaicos medieval. São azulejos brilhantes, cintilantes,
e são conectados, ou amarrados, apenas por arame de cobre.
O que temos nessa peça
é uma obra que opera em vários níveis diferentes.
O pai de El Anatsui em Gana tece roupas kentai,
que são feitas para ocasiões festivas.
Explodindo nesta fenomenal variedade de cores
temos aquela sensação de memória e prática de regozijo
mas também essas milhares de tampas de garrafa remete-nos ao disperdício urbano.
O que temos aqui é a experiência daquele cultura africana
nesse enorme enxame de colmeia metropolitana da moderna
cidade da África Ocidental.
E tem outra coisa, que é
um pouco difícil de encontrar entre os gracejos auto conscientes,
poses e intelectualismo da arte contemporânea,
não levanta o nariz para a ideia da beleza.
De modo algum, ela a reinventa.
A arte contemporânea mais vigorosa tem esse poder
mágico da transformação.
Pode utilizar o lixo efêmero da última noite,
lembranças de uma ressaca, e transformá-los em algo duradouro,
algo que preserve as tradições.
E nas mãos mais artísticas,
os materiais de destruição podem tornar-se elementos de criação.
Estas pólvoras coloridas parecem pigmentos de tinta
nas na verdade são só pólvora.
A mídia de expressão de Cai Guo-Qiang é a explosão.
A pólvora, que os chineses inventaram,
sempre foi importante na cultura chinesa.
Explosões, que carregam o eco de desastre
como também de encanto, foi a mídia escolhida por Cai.
Mas o seu efeito, apesar de espetacular, também é de curta duração.
Às vezes, Cai gostaria de fazer algo que perdurasse.
Este é o seu objetivo num dia quente de verão em Long Island,
onde preparou-se para fazer uma obra de arte especialmente para nossas câmeras.
Ele propõe fazer algo com sua arte do fogo que não foi feita antes.
Ele começa no mundo da tradição,
com elementos de uma paisagem paradisíaca.
Pássaros esvoaçantes, flores enormes, gamos saltitantes
num bosque encantado.
Primeiro eu quero fazer um trabalho bonito.
Um mundo com a ideia de paraíso ou utopia
onde os humanos viveram por 1.000 anos.
Eu desenhei muitas flores da natureza
como cravos e papoulas.
Cobri com muita pólvora colorida.
E para dar sorte, como se prescrito por um livro de encantamentos,
havia algo de mago benevolente em Cai Guo-Qiang.
Folhas e flores verdadeiras foram posicionadas reverentemente
para imolação.
Costumo dizer às pessoas que não sou atraído por fogos de artifício,
gosto de explosões.
Quando eu era jovem a China era uma sociedade reprimida.
Conforme crescia, eu queria encontrar algo
que me libertasse,
algum material ou certas ações.
Que bonito, impressionante.
O efeito da explosão é de tirar o fôlego
mas também surpreendente.
Contra um fundo enegrecido, as formas naturais
destacam-se com brilho intensificado.
Florescem mais, não menos, radiantes.
O jardim paradisíaco ainda sobrevive.
Mas não por muito tempo.
É maravilhoso. Não quero que faça mais nada com ele!
Pela primeira vez, Cai vai submeter seu próprio trabalho
a um segundo ato de violenta consumação pelo fogo.
No passo seguinte
quero usar a cor preta
para destruir brutalmente aquela terra da fantasia.
Ele não faz ideia do que vai acontecer
mas seja o que for, ele quer uma cópia.
Cinco telas brancas são colocadas sobre a utopia já chamuscada.
Assim que o estopim for aceso
tem esse silvo
e depois uma pausa.
A pólvora dá uma sensação mágica.
Ela traz um profundo entendimento
de mudanças no tempo e no espaço.
A explosão é um instante no tempo.
Mas também relacionada à eternidade.
Quando a pólvora foi inventada na China
não era apenas utilizada para destruição,
tinha também poder medicinal.
Essa borrifadela... É tão bonito.
É parecido com esta parte.
Parece misterioso.
Com sua segunda explosão, Cai levou seu trabalho, e a nós,
para um mundo diferente, uma profunda escuridão betuminosa
agora cobre tudo.
Toda a natureza parece atingida por uma tempestade sufocante de fuligem.
Ou a chuva negra de um inverno nuclear.
E nas telas brancas aparecem
os fantasmas da explosão.
Isso é obra de deus.
Seu espaço e sua dimensão para criação
são abertas e ilimitadas.
Vem até nós.
Está preenchido.
Sentimo-nos atraídos.
Este é seu poder.
Não pode ser reproduzido.
Os riscos que Cai correu compensaram além
do que ele podia imaginar.
O decreto da desconfortável proximidade entre destruição
e criação fica revelado.
As duas propriedades da pólvora,
satisfação e dano,
penduradas no espaço,
ainda com um cheiro de fumaça.
Isso é beleza,
mas de um tipo terrível.
A história chinesa, distante e presente, está cheia de aflições
como também de júbilo.
Existem alguns artistas cujo infortúnio não só da China,
mas do mundo todo, pesam na sua consciência criativa.
Devagar, devagar!
Existem alguns artistas contemporâneos para quem a arte pela arte
não basta,
na verdade ela significa um tipo de traição da sua vocação.
Pois à medida que nosso mundo escorrega cada vez mais para a destruição e miséria,
eles querem que a arte signifique uma resistência à complacência,
à fadiga da catástrofe.
Querem sobressaltar-nos
de nossa expectativas de que todo dia no jornal noturno
ou todo dia nos jornais impressos,
vamos ver corpos e mais corpos mortos.
Para Ai Weiwei,
a calamidade dos nossos tempos
é o desastre das multidões de deslocados,
daqueles que são desenraizados completamente, sem serem responsáveis,
jogados à deriva num oceano infinito de terror e desespero.
A obra Law Of The Journey de Ai Weiwei
junta 258 figuras infláveis, grandes e pequenas,
num barco inflável.
Eles são os náufragos da civilização.
Mas não teria Ai Weiwei, sempre tão sintonizado com a história,
mais alguma coisa em mente também?
O início da representação humana na tradição chinesa,
outro conjunto de figuras, criadas há mais de 2.000 anos,
um exército inteiro criado para acompanhar o imperador Qin no pós vida.
Totalmente caracterizados, todos eles,
porque foram enobrecidos pelo serviço que ofereciam ao poder
e à imortalidade.
Mas a nobreza se foi.
Aquela longa tradição termina aqui,
num barco suspenso entre o teto e o chão,
vida e morte,
numa jornada para a segurança
ou para a aniquilação...
assim os rostos destas figuras são inexpressivos
porque são, afinal de contas, os destroços da humanidade.
Esse tipo de desastre acontece vezes sem conta,
de novo e de novo.
O destino dos refugiados, seu vagar incessante e épico,
também está no coração da artista israelita
Michal Rovner.
Nas paredes do seu estúdio numa aldeia de fazenda,
linhas longas, figuras em trilha, não geradas por computador
mas fotografias animadas individualmente,
movem-se incessantemente em paisagens de aridez implacável.
Assentamentos negados.
Civilização pressupõe uma população urbana estabelecida,
mas a arte de Rovner é sobre a condição humana da migração...
estar sempre entre lugares.
São projeções em pedra na qual o alfabeto hebraico metamorfoseiam-se
em pessoas que se curvam em reverência, como de fato fazem nas fervorosas preces judaicas.
Outros são documentos fantasmas cobertos com texto,
mas, ao olharmos de perto, percebemos que os caracteres são humanos.
Somos o que escrevemos, nossa linguagem nos define.
Atualmente, ela está trabalhando numa instalação que ela chama de Makom...
que significa "lugar" em Hebraico e Árabe.
É um conjunto de estruturas de tamanhos e formas diferentes.
A série Makom começou em 2007 quando havia um forte
momento, a intifada, acontecendo, ônibus explodindo em Jerusalém,
eu tinha medo até de dirigir
perto de qualquer ônibus por um bom tempo.
Em certo momento, eu comecei a colecionar pedras de todos esses lugares.
Jerusalém, Haifa, Hebron, Nablus.
As estruturas são feitas com pedras retiradas das casas
israelenses e palestinas destruídas e assim se tornam, em suas mãos,
o material de um tipo de restauração.
Levei muito tempo para entender que as pedras precisam de água
on a tinta não vai aderir a elas.
O problema dessa pedra é que não é absorvente
Cada pedra é cuidadosamente etiquetada
para que as estruturas possam ser desmontadas e reconstruídas em outro lugar.
Como os migrantes cujos movimentos Rovner anima,
sua série Makom segue nômade,
mais ressonante no pátio
do Louvre, ecoando perto de outra antiga estrutura,
a pirâmide de vidro de IM Pei.
Está bom, mas um pouco alto, não?
Os pedreiros são uma mistura de pessoas de vários países,
Árabes israelenses, Judeus, Druze e Palestinos.
Eu queria fazer esse trabalho com israelenses e palestinos.
Queria pegar essas pedras
e fragmentos de períodos de tempo diferentes...
e então construir um que fosse tão coerente e completo,
quase como uma livraria, como um índice de lugares, dos tempos,
das estórias, um mosaico de lugares diferentes que se encaixassem juntos,
que é este lugar.
Como podemos falar sobre Israel sem falar sobre Jerusalém,
Haifa, Hebron, Nablus?
As estruturas foram projetadas para serem problemáticas.
Personificam a dificuldade de alicerces instáveis,
a arquitetura ecoando a política.
O que, afinal, se constrói numa falha?
Aqui, ao norte do Grande Vale da Fenda,
linhas defeituosas são inevitáveis,
a alvenaria vai rachar.
Numa casa é impossível entrar.
Outra assinalada por uma rachadura que se alarga.
São obras que falam dos medos contemporâneos dos sem-teto
mas que também carregam memórias de antigas habitações.
Estamos, afinal de contas,
num lugar onde as primeiras civilizações fizeram suas moradias.
São nossos blocos de construção primitivos.
Existe um rompimento entre israelenses
e palestinos, que estou ciente
e me aborrece
e às vezes sinto que preciso fazer alguma coisa a respeito,
e foi isso o que eu fiz...
Você acha que a arte pode fazer isso ou...?
Alguém tem que acreditar nisso e eu acho que
se voltarmos no tempo,
para aquele momento que sempre me comove,
o momento em que vejo estes antigos objetos,
alguém num tempo distante teve a necessidade
de deixar uma marca na pedra.
Deixar uma marca permanente, fazer algo que iria
durar e mandar uma mensagem para o futuro desconhecido.
Por 50.000 anos, os humanos têm deixado essas marcas,
semblantes e padrões em todos os materiais concebíveis
e em todos os estilos imagináveis.
A grande arte implode o tempo e o espaço que nos separam
do seu momento de criação.
Ela nos dá uma pausa.
Nos faz reimaginarmos o mundo de maneiras incontáveis, imprevisíveis.
É por isso que mesmo em nossa vida moderna,
vidas intoxicadas com deslizes digitais e telas tremeluzentes,
encontramos na arte algo que não se encontra em nenhum outro lugar,
um assalto de encanto que de algum modo também nos conecta com o duradouro
e o profundo,
e por este motivo as pessoas vêm
aos milhões para vê-la nas galerias e nos museus.
Civilização é uma palavra imponente, não é?
Mas, quando reflito no que vimos,
sua verdadeira força reside tanto nos itens simples, vasos e retratos,
tapetes e entalhes, quanto nos prédios monumentais
e belos quadros,
e estas coisas brotam menos das demandas
oficiais do Estado e do apetite dos ricos
do que brotam da rebelde
necessidade de artistas talentosos, de um ponto ao outro do mundo,
em criar coisas para todo mundo.
E por estas coisas não dependerem do destino
de impérios, dos endinheirados ou dos militares, eu acho que elas vão
ficar por aí, elas ainda perduram, não para sempre, nada sobrevive
para sempre, mas talvez ficarão pelo próximo milênio, como
uma evidência inconfundível do melhor que a nossa espécie foi capaz de criar,
coisas que foram feitas pelo pensamento libertado,
pela visão perspicaz e pelo inextinguível fogo criativo
de nossa humanidade compartilhada.
A Universidade Aberta produziu um cartaz grátis que explora
a história de diferentes civilizações através de artefatos.
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Legendas Red Bee Media
Tradução xara