Todo ano, milhares de pessoas vêm do mundo todo para reunirem-se
no interior do Camboja.
É o equinócio da primavera
e estão aqui para testemunhar uma visão extraordinária.
O momento quando o sol ascende sobre o pináculo central
do templo em Angkor Wat.
Não me considero um peregrino
mas esta manhã levantei-me bem antes do amanhecer como
milhares de outros para ver o sol em Angkor Wat.
Certamente, quando o sol parece equilibrar-se por um segundo ou dois
no topo da torre central do tempo,
houve suspiros de espanto e maravilha.
É arte religiosa no seu ápice.
Espetáculo de cair o queixo.
Mas o espetáculo de Angkor Wat não pára por aqui.
Construído pelos reis do império Khmer no século 12,
Angkor é projetado para dar forma concreta
às pretensões da religião Hindu.
As cinco torres altas diz-se que representam o místico Monte Meru,
centro do cosmos.
Padrões religiosos e símbolos adornam as paredes.
E um aparente interminável friso de narrativa
enrola-se ao redor do centro do templo.
Angkor Wat é um dos maiores
e mais bem conhecido monumento religioso do mundo.
Quando olhamos para as esculturas
e os padrões decorativos das paredes, a extravagância,
a superabundância na sua cara, a demasia...
o ponto básico fica claro que é um prédio
projetado para unificar os mundos humano e divino.
Por milênios, a arte tem sido usada para unificar o humano e o divino.
E nos proporcionou algumas das imagens visuais
mais majestosas e comoventes já produzidas.
Quero explorar o que está por baixo
dessas criações extraordinárias.
E revelar o tipo de trabalho religioso que a arte faz
ao redor do mundo.
Para mim, a história da arte religiosa é mais do que isso.
É sobre controvérsia e conflito,
perigo e risco.
Seja Muçulmana ou Cristã, Hindu ou Judaica,
quero expor os dilemas que todas as religiões enfrentam
quanto tentam tornar os deuses visíveis no mundo humano.
Quando foi que a adoração de uma imagem transformou-se numa idolatria perigosa?
Onde a glorificação divina termina e vaidade mundana começa?
O que é importante numa imagem de deus ou da palavra de deus?
Trilhando essas linhas divisórias, eu ainda vou mostrar como a desfiguração
da arte religiosa carrega seus próprios problemas e paradoxos,
e quero terminar no que geralmente consideramos
como o berço da civilização ocidental
para questionar o que é que veneramos hoje em dia
e até onde ainda olhamos com o olhar da fé.
"Tem deuses, deuses em todo lugar. E nenhum lugar para por meus pés."
Estas são palavras de um poeta indiano do século 12 conforme
lançava seus olhos sobre a massa de imagens religiosas que o cercavam.
Vários séculos depois, ainda podemos ver o que ele quis dizer.
Ir a um lugar com o qual não estou familiarizada, como a Índia,
ajudou a abrir meus olhos para o fato da arte religiosa estar em todo lugar.
Não apenas nas igrejas, templos e galerias.
A religião sempre despertou a engenhosidade nas pessoas,
no corpo, em casa, nas ruas.
E pode ser bem simples,
seja uma questão de reverência religiosa, ou de satisfazer
nossa curiosidade ao espiar o mundo oculto do divino.
Mas se formos mais longe
e tentarmos explorar como essas imagens religiosas funcionam...
percebe-se que pode ser mais difícil do que imaginávamos.
Em 1906, a artista exploradora Christiana Herringham
estava viajando por esta região remota da Índia central.
Estava intrigada pelas estórias dum lugar religioso antigo
há muito escondido nas colinas.
E depois de semanas de trajetos acidentados,
ficou espantada pelo que viu.
Cobrindo toda a encosta estavam as Cavernas Ajanta.
Essa rede de buracos para orações Budistas
e monastérios começou perto de 200 a.c.
e cresceu durante os séculos.
Gradualmente, centenas de esculturas
e relevos de Buda foram esculpidos na rocha.
Mas o que Herringham realmente queria encontrar
fica dentro das cavernas.
Estas são as primeiras pinturas budistas do mundo.
Já na época em estado ruim, Herringham começou a registrá-las
antes que finalmente desaparecessem.
Este livro maravilhoso foi como ela preservou as pinturas.
Temos uns esboços preliminares,
falando sobre como o trabalho foi feito e o que as pinturas significam.
Mas depois estas lindas chapas coloridas.
Mas Herringham não apenas preservou estas cenas
da vida de Buda.
Na sua imaginação e nas páginas,
ela radical e problematicamente as reinterpretou.
Quando olhava para as cores, a perspectiva,
as linhas cuidadosas e a composição,
o que via era o equivalente indiano
da arte italiana renascentista,
e chega a falar deles como afrescos,
e fala das cavernas como uma galeria de arte.
E de certa forma, este livro faz parte dessa visão.
Ao fornecer pequenos instantâneos e exibi-los desse modo
como se pudéssemos, caso desejemos, pendurá-los numa parede,
como imagens, o que esse livro está fazendo é traduzir
um lugar Budista...
para o patrimônio do mundo arte.
É claro que atualmente vemos muita arte religiosa
no espaço seguro de uma galeria.
Mas, para entendermos como estas pinturas realmente funcionam,
precisamos olhá-las nas cavernas para as quais elas foram feitas.
Quase toda a superfície está pintada.
Algumas ainda mostram traços de cores vívidas.
Outras ficaram mudas com o tempo.
Repetidamente, vemos Buda rejeitando
as vaidades do mundo na busca por iluminação.
Mas não é uma leitura fácil.
As cenas estão numa ordem confusa
e muitos detalhes se perderam na escuridão.
Seu desenho fragmentado
e sua montagem obscura é o que dão a estas imagens seu significado.
Estas imagens provocavam reações religiosas nos espectadores.
Elas exigiam que você se descobrisse, buscasse e rebuscasse por si mesmo...
as estórias que você provavelmente já sabia de antemão.
Não se poderia vir aqui como um consumidor passivo
de imagens religiosas.
Era preciso ser um intérprete ativo delas.
Acho que também existe algo na fragmentação
da narrativa religiosa.
Estas imagens ecoam, de certa forma,
as diferentes versões que temos das estórias religiosas.
Seus finais em aberto, suas contradições,
e suas inconsistências.
E até a falta de luz também tem sua parte.
Quando vimos aqui com nossas lamparinas tremeluzentes tentando
decifrar o que está nas paredes, de certa forma,
era uma metáfora perfeita para um tipo de experiência religiosa.
A ideia de que estamos buscando pela verdade,
buscando pela fé dentro da escuridão.
As imagens de Ajanta convidam os espectadores a buscarem
a mensagem budista por si mesmos.
E forjar seu próprio caminho para a iluminação.
Quando a última destas cenas estava sendo pintada,
no outro lado do mundo, a retratação religiosa estava sendo
utilizada com mais agressividade na controvérsia religiosa.
No século 6 a.c.
os pântanos da costa Adriática da Itália,
que previamente tinham abrigado pouco mais do que remotas
aldeias de pescadores, tornaram-se a linha de frente de uma guerra ideológica.
Cristãos arcaicos que, neste estágio,
certamente não era uma fé unificada...
discutiam furiosamente sobre partes fundamentais de sua doutrina.
E no meio da controvérsia,
eles aproveitaram o poder das imagens da maneira mais convincente.
Aqui em Ravena está a igreja de San Vitale,
nome dum santo local e mártir.
Construída nos anos 540 com os restos dos prédios romanos antigos,
sua própria alvenaria é um lembrete da conquista cristã da Roma pagã.
E por toda a igreja, todas as técnicas foram utilizadas
para asseverar a mensagem Cristã e demonstrar seu poder impressionante.
Estórias da bíblia contam como o único deus verdadeiro revelou-se pela primeira vez
à humanidade.
A imagem do cristo imperador, flanqueado por bispos
e soldados, expressa a unidade da igreja, estatal e militar.
E os mosaicos dourados, a grande inovação dos primeiros artistas
cristãos, refletem a luz divina penetrando nas trevas.
Mas existe uma imagem que domina a igreja.
É a figura do próprio Jesus.
Ele está no coração
das primeiras batalhas ideológicas da cristandade.
Os primeiros anos da cristandade não foram um período
de paz e boa vontade. Longe disso.
Estavam divididos por controvérsias religiosas sobre a natureza
e a essência divina de Jesus.
Haviam questões religiosas cruciais em jogo.
Qual era a exata relação entre Jesus e deus?
No quê e onde esteve Jesus antes de nascer de Maria?
Como poderia um deus perfeito e indivisível
dar parte de si mesmo para gerar um filho?
E a questão mais mortífera de todas:
Jesus e deus eram feitos da mesma substância?
Ou eram apenas bem parecidos?
Os mosaicos argumentam fortemente sobre a natureza divina de Jesus,
como que para dissipar qualquer mal entendido
porque ele aparece como parte dum esquema calculado das imagens, projetadas
para encerrar a controvérsia, dizendo ao espectador exatamente no que acreditar.
Em perfeito alinhamento existem três aspectos diferentes de Jesus.
No pórtico, há o Jesus imberbe, jovem,
o filho de deus.
No centro do teto,
temos Jesus como o cordeiro simbólico de deus,
o Jesus a ser sacrificado em favor da humanidade.
E no topo do arco de entrada,
temos o velho, barbado e todo poderoso Jesus,
que é tão indistinguível quanto possível do seu pai.
Há uma lição aqui ao olhar para Jesus.
E também, particularmente na última imagem, uma clara direção.
Estas imagens nos dizem para nunca duvidar da divindade de Jesus Cristo.
Em outro lugar do mundo cristão e em outra época,
as imagens podem ter consequências inesperadas e controversas.
Por trás das fachadas das igrejas,
a cidade de Veneza guarda um tesouro de imagens
religiosas que permanecem exatamente onde foram projetadas para serem vistas.
E por detrás dessas paredes está uma das mais espetaculares.
Esta é a casa de reunião de uma irmandade religiosa
conhecida como Scuola di San Rocco.
Quase uma versão renascentista do Rotary Club,
aqui se reuniam fenícios endinheirados para compartilhar
suas altruísticas preocupações pelos pobres.
E as pinturas que os cercam
oferecia lembretes das suas caridosas obrigações.
Se olharmos para a cena do nascimento de Jesus,
não há dúvidas de que aconteceu na pobreza.
Se olharmos para a Última Ceia,
as figuras mais proeminentes do quadro na frente de Jesus
e dos discípulos são na verdade dois mendigos e um cão...
que provavelmente espera por alguma sobra da mesa.
A maioria das obras que vemos agora foram produzidas no século 16
e o homem responsável era Jacopo Tintoretto.
Um favorito em Veneza,
passou anos decorando
a casa de reuniões com mais de 50 quadros.
E sua pintura mais famosa é...
a Crucificação de Jesus.
As pessoas que vem aqui atualmente tem todo tipo de reações diferentes.
Alguns ficam impressionados com o tamanho.
Alguns intrigados pela riqueza de detalhes.
Críticos e historiadores têm reações diferentes também.
Alguns falam da técnica refinada, destacando
as fortes pinceladas de Tintoretto
ou o contraste entre luz e sombras.
Alguns se concentram na emoção da cena.
E foi essa a direção que John Ruskin tomou no século 19
quando ficou estupefato, dizendo que a pintura
era absolutamente impossível de analisar.
Acho que ele deveria ter tentado um pouco mais.
O que Tintoretto fez
foi turvar as fronteiras entre o espectador e o quadro.
Alguns dos personagens estão usando roupas modernas,
do século 16, e não trajes bíblicos.
Existem pessoas comuns do século 16
cavando, esticando cordas e arrumando a escada.
Mais do que isso, se ficarmos em frente dele, é quase se
nos tornássemos parte da multidão ao redor da cena central.
O que está sendo frisado aqui é o fato da crucificação
ser tanto um evento histórico do passado
quanto um evento religioso,
que quebra as barreiras do tempo e do espaço.
Mas existe outra leitura controversa
neste quadro que geralmente escapa
aos peritos que ficam diante dele.
O quadro foi produzido num momento muito crítico
da história da irmandade
quando estavam sendo atacados por gastarem muito mais em aparências
e construindo suas casas do que o suficiente para ajudar os pobres.
Em algumas das suas pinturas,
Tintoretto parece responder a essas acusações.
Quando ele incluiu mendigos na cena da Última Ceia,
ou o tipo de pessoas comuns que a irmandade deveria dar
apoio na cena da crucificação,
parecem uma defesa calculada das ações de caridade
diante da oposição.
Mas toda a controvérsia aponta um problema crucial da arte religiosa.
Quanto mais se investem recursos
na glorificação visual de deus...
mais se estará sujeito às acusações
de interesse prioritário no material do que no espiritual.
Que se está mais interessado em vaidades mundanas do que na piedade.
Agora estamos traçando as linhas divisórias entre arte e religião
e os problemas de representar o divino.
E os perigos da vaidade são só o começo.
Sevilha tem sido o centro de produção de imagens católicas há séculos,
lar de alguns dos maiores pintores religiosos espanhóis...
Velasquez, Zurbaran e Murillo.
E as imagens ainda têm papel importante na vida religiosa da cidade.
Aqui em Sevilha existe uma imagem que tem um poder peculiar.
Abrigada na igreja de Macarena, é a estátua da Virgem Maria.
Está aqui há mais de 300 anos,
Chorando de tristeza pela morte de seu filho Jesus.
Ela é impressionante.
Foi inaugurada no século 17
e diz-se que é obra de uma mulher
porque apenas uma mulher poderia capturar uma Virgem como esta.
Ela tem sido adornada desde então,
ganhou aquela esplêndida coroa,
aquela grande capa,
e um guarda roupa variado
já que frequentemente muda de vestido.
O cuidado e atenção diários dados a esta estátua
à principio podem parecer estranhos.
Mas foi projetada para ter uma aura de humanidade.
Suas lágrimas podem ser de vidro mas seu cabelo é realmente humano.
Sua carne exposta, cabeça e mãos, são feitos de madeira porque
pensaram que madeira seria mais caloroso do que mármore, mais orgânico.
É tratada como se fosse um ser humano,
ninguém além das freiras está autorizado a trocar suas roupas.
De muitas maneiras, ela não está terminada mas em construção,
Só fica completa por uma única noite na época mais sagrada do ano...
a Páscoa.
A cruz sagrada é exibida para a multidão
e penitentes encapuzados começam a procissão.
Para muitos, é uma coisa forte e emocional.
Agora esperam, ansiosos pelo momento quando a Virgem
aparece na soleira,
e um momento de transformação se segue.
Carregada num trono, começa sua jornada pela noite.
Quando se move parece ganhar vida.
Como se a similitude da Virgem infundisse uma presença.
Podemos ver isso na impressionante
reação dos fiéis.
Mas esta adoração traz suspeitas
porque aqui em Sevilha alguns membros da igreja temem
que a imagem da Virgem
roubou a ribalta da própria Virgem.
A grande questão é o que os adoradores estão venerando?
É a ideia da Virgem Maria que de algum modo existe,
além da imagem?
Ou estão venerando a própria estátua?
Esta é a questão da idolatria,
que quase todas as religiões enfrentaram.
A hierarquia da igreja sempre ficou preocupada
com a reação a tais estátuas e seu custo suntuoso.
Parecem desconfortáveis diante da adoração de imagens
proibida nos Dez Mandamentos.
A igreja católica precisa ser muito cuidadosa com as pessoas
que são... cuja fé não é muito profunda.
Porque o problema é que as pessoas em frente da estátua
pensam que aquilo é tudo.
O perigo é que acreditem que aquilo é tudo, a estátua.
Precisamos ser cuidadosos.
Esse não é o caminho.
Tem sido uma benção e coisas assim, mas é uma estátua.
A representação de algo maior.
É preciso acreditar que através da estátua
chega-se à divindade.
É um problema básico e permanente na arte religiosa,
que todas as religiões precisam enfrentar.
Mas têm visões diferentes de como lidar com isso.
E com a representação religiosa em geral.
Na orla rural de Istambul fica uma das mais impressionantes
criações religiosas dos tempos modernos.
Apareceu na paisagem há menos de uma década
e tem atraído as pessoas desde então.
É a Mesquita Sancaldar...
obra do mais visionário dos arquitetos turcos.
Esta é uma das mesquitas mais surpreendentes do mundo.
O que o arquiteto planejou fazer é frear
o poder do modernismo,
que frequentemente é um movimento secular, para expressar a
essência do espaço religioso, livre de tudo o que não é essencial.
Certamente é diferente de todas as maneiras.
Mas por outro lado,
explora fortemente as tradições do Islamismo.
O espaço interior foi feito para lembrar a Caverna de Hira,
onde o profeta Muhammad recebeu
a revelação da Palavra de Deus que tornou-se o Alcorão.
E é claro,
também evoca um dos estereótipos clássicos que muitas pessoas agora
têm do Islamismo, qual seja uma religião sem arte.
Que proíbe não só a imagens de deus e do profeta,
mas as imagens de criaturas vivas que só o criador, deus,
supostamente é capaz de criar.
Na verdade, a única imagem artificial é uma maravilhosa
peça de caligrafia, citação do Alcorão.
É como se o que esperamos ao virmos aqui
é ver e partir com a palavra de deus.
O Islamismo, como religião da palavra, está consagrado no próprio Alcorão.
Existem muitos ditados e estórias que condenam a idolatria
e alertam sobre o perigo das imagens.
Mas na antiga cidade de Istambul
uma imagem bem diferente do Islamismo preenche nosso campo de visão.
O Islamismo definitivamente não é uma religião sem arte.
Em toda a história dessa fé,
não podemos escrever uma única linha incontestável
sobre imagens de criaturas vivas ou sobre a imagem de deus.
Na Idade Média, o mundo islâmico promoveu um dos mais
intrincados debates sobre estética, a natureza da beleza,
a ótica do olho humano,
e nossa experiência sensorial do mundo natural.
Existe um caleidoscópio de estórias
e parábolas sobre o dilema do islamismo consigo mesmo
sobre o papel do artista e o propósito das imagens.
Uma das mais reveladoras nos leva
para a vida doméstica do próprio profeta Maomé.
Um dia, Maomé chega em casa e descobre que sua esposa Aisha
comprou uma tapeçaria
com imagens de criaturas vivas traçadas.
E ela pendurou a peça.
Maomé fica furioso, ele nem entra na casa
porque é deus o criador que deveria criar criaturas
vivas, não um artista tapeceiro.
Então Aisha tira a peça mas não põe no lixo.
Corta o tapete e faz dele capas para almofadas,
e assim, aparentemente, não há problema.
A estória das almofadas de Aisha é uma bela ilustração de como
as atitudes islâmicas podem mudar de acordo com o papel
e o lugar das imagens.
Mas existe um tipo de arte islâmica cujo papel
e função é muito mais importante do que qualquer outra.
Assim que Maomé recebeu as palavras de deus
no século 7º,
a caligrafia, ou a arte de escrever lindamente, foi elevada
ao coração da identidade islâmica.
Há uma obrigação do caligrafista em servir
a comunidade para quem ele ou ela escrevem.
Mas os calígrafos eram muito estimados.
O lápis é um símbolo potente de conhecimento.
A arte da caligrafia tornou-se o meio pelo qual a sagrada palavra
poderia ser registrada, divulgada, e permaneceu incorrupta desde então.
Desde o início do islamismo,
os primeiros versos revelados ao profeta Maomé foram pela escrita.
Desse modo, santifica o uso da escrita no princípio do islamismo.
E desde então, os artesões têm tentado embelezar
a palavra divina através da escrita.
É claro que o texto da caligrafia
e muito impressionante
mas para mim, o que é mais importante é o visual
da caligrafia, o grafismo,
o balanço e o ritmo da caligrafia.
Para ser um bom calígrafo é preciso ter anos de trabalho.
Até numa única letra.
Leva uma vida inteira
para atingir a maturidade de fazer uma boa caligrafia.
Temos uma vida inteira numa única pincelada.
Com um caligrafismo requintado,
o islamismo tem uma forma de arte que a distingue de muitas outras religiões.
Diz-se que o Alcorão foi recebido em Meca
e proferido no Cairo,
mas foi Istambul quem produziu os melhores calígrafos
capazes de escrevê-lo.
Esta é a Mesquita Azul.
Foi encomendada no século 17 pelo sultão Ahmed...
e no seu quase excessivo tamanho e esplendor,
foi projetada para superar todas as outras mesquitas na cidade.
Não há ídolos ou imagens de criaturas vivas.
Porém, as paredes estão vivas com as padronagens mais ornamentais.
Plantas e flores intercaladas nas cerâmicas esmaltadas.
Foram aplicados no projeto
os mais extraordinárias exemplos
de caligrafia monumental do mundo islâmico.
É como se a Mesquita Azul tivesse sido concebida
como uma grande biblioteca de escrita islâmica,
é aqui que vemos a caligrafia em todo seu poder.
Quando entramos no prédio, sobre a porta, há uma mensagem
dizendo para esperarmos algo especial,
que estamos entrando pelos portões do paraíso.
Um dos muitos avisos pela
mesquita, geralmente fragmentos belamente escritos do Alcorão
que guiam os pensamentos dos fiéis e interpretam o que estão vendo.
Quando olhamos para o domo, somos lembrados de que é Alá
quem sustenta os céus e o mundo.
Foi uma mensagem que diz que devemos levar lá fora
para mundo exterior o estado de purificação que
alcançamos através das preces.
É como se houvesse um roteiro escrito,
dizendo como experimentar e olhar para o prédio.
Para aqueles que já oraram e ainda oram aqui,
existe outra maneira de ler esses escritos.
No alto do salão de orações, a escrita começa quase ilegível.
Quando foi pintada,
muitos dos fiéis eram analfabetos.
Mesmo para aqueles que sabiam ler, o sentido da mensagem está
oculto no ritmo e padrões do texto.
A escrita magnífica e elaborada escrita é bem complexa.
Nem sempre é fácil de ler e acho que foi de propósito.
Às vezes também é uma forma de benção.
Apenas por olhar podemos absorver essa benção.
O que precisamos lembrar é que a escrita pode operar de outras maneiras.
Aqui estamos vendo deus representado
numa forma visual que não é humana.
Aqui deus é apresentado como sua palavra no Alcorão.
É deus na arte da escrita.
O islamismo é a única religião a utilizar a escrita
como forma de intermediar os problemas de como representar o divino.
No evangelho cristão, por exemplo, proclama-se que deus é a palavra.
Mas no islamismo, mais do que em outro lugar,
vemos a imagem tornando-se palavra, e a palavra tornando-se a imagem.
Diante dos debates e proibições das imagens, a caligrafia
islâmica evoluiu para redefinir como a imagem de deus pode ser.
Nenhuma religião jamais conseguiu resolver completamente
a tensão entre palavra e imagem, mas em alguns momentos
isso parece ser possível.
Estas imagens maravilhosamente atraentes foram feitas há mais de 500 anos
e vem das páginas da bíblia Judaica.
O impressionante é que dançam ao redor do texto
que é cheio de avisos sobre ídolos e imagens.
Entretanto, elas desdenham delas de forma charmosa e bela.
Abri este livro extraordinário na página
do segundo mandamento, aquele que proíbe ídolos.
Já houve séculos de debate
e discordância sobre o que a proibição realmente significa.
Mas neste caso,
a menos que se trate de uma flagrante contradição,
não foi considerada para proibir um extravagante
conjunto de imagens,
mesmo na abertura do segundo mandamento,
onde temos estes dois caras sentados aqui.
Ao longo do livro encontramos imagens generosas.
Aqui uma página inteira do menorah.
E nas adoráveis narrativas,
como o encontro de Jonas com a baleia.
O que faz a bíblia tão preciosa
é ser um testamento a um breve
mas extraordinário momento na história da Espanha quando as tradições muçulmanas,
cristãs e judaicas se juntaram
de maneira produtiva e imaginativa.
Ao olharmos este livro podemos ver que de algum modo os artistas
judaicos celebram a mistura de tradições da Espanha medieval.
Algumas delas claramente
têm raízes na tradição islâmica.
Esta é uma imagem maravilhosa, quase como um tapete,
e à primeira vista, parece bastante islâmica.
Depois descobrimos ao olharmos cuidadosamente,
que tem esta escrita zigue-zag,
micrografia como é chamada, que é claramente judaica.
É uma maravilhosa porção de mistura cultural.
Há exemplos da tradição cristã, uma bela imagem
do rei Davi baseada no baralho europeu.
O homem que criou estas imagens extraordinárias
assinou orgulhosamente seu nome
numa página inteira ao final do livro.
Ele diz que
"Eu, Joseph ibn Hayyim, decorei e terminei isso."
Normalmente, essas bíblias judaicas não são assinadas,
certamente não de modo a ocupar uma página inteira.
É uma bela ousadia, um tipo de artista que
mesmo no final de sua obra consegue manter aquele tom artístico.
Mas isso é mais do que um nome.
Aqui Joseph ibn Hayyim está abordando a questão fundamental
da palavra e da imagem que divide tantas religiões.
A seu modo, ele sela o debate.
Em suas mãos, são uma coisa só.
O fato triste é que nos 20 anos que se seguiram ao término desta página,
os católicos expulsaram os judeus da Espanha.
A bíblia sobreviveu não apenas como testemunha da integração,
mas também à guerra religiosa.
Como também na Inglaterra.
Nos séculos 16 e 17, protestantes e católicos
lutaram nesta terra num conflito cujas cicatrizes visuais
podem ser encontradas nas igrejas pelo país.
Não existe evidência mais poderosa do que na catedral Ely.
Embora muito restaurada posteriormente,
Ely permanece uma joia delicada da arquitetura Gótica.
Sua nave cavernosa,
seus entalhes ornamentais ainda refletem as cores medievais.
E bem acima, esta extraordinária claraboia octogonal,
quase um portal para o céu.
Mas durante o cisma religioso,
o esplendor de Ely cairia vítima de um dos mais infames
reformadores protestantes.
Em 9 de janeiro de 1644, Oliver Cromwell,
que era governador de Ely, marchou sobre esta catedral
no que é o incidente mais mistificado
e enfeitado das guerras civis religiosas inglesas.
É difícil de imaginar agora porque é tão tranquilo aqui,
mas a estória diz que
Cromwell foi até o padre que estava conduzindo o serviço,
disse-lhe para por de lado o livro de orações,
que impedisse o coro de cantar - um momento "desligue a música" -
e então encorajou ativamente
ou não impediu que suas tropas marchassem sobre o prédio,
as imagens e os vitrais.
Quando entraram na sacristia e no claustro,
simplesmente esmagaram o lugar.
O ataque de Cromwell foi apenas um assalto de uma longa campanha
contra as imagens em Ely.
Para esses reformadores, a veneração de imagens sagradas
era uma superstição católica,
uma distração da palavra de deus.
As imagens de Ely tinham que desaparecer.
E aqui na Capela da Senhora,
restam evidências da destruição generalizada em outra ocasião.
Diferentes tipos de iconoclastia desapareceram aqui.
Os vitrais originais foram uma vítima óbvia.
Mas o mesmo aconteceu com as figuras, santos, reis
e cenas da vida da virgem.
Às vezes, a escultura inteira era removida,
mas frequentemente o que faziam era só remover
a cabeça e as mãos, deixando o corpo intacto.
Como se visassem destruir as partes da escultura
que expressavam maior poder, as partes que podiam interagir.
A questão é que isso não é um vandalismo aleatório,
é bem focado, metodicamente executado.
A iconoclastia é coisa que geralmente deploramos,
mas existe outro jeito de encará-la.
Essas figuras sem as cabeças e as mãos não se tornaram invisíveis.
É quase como se tivessem
se transformado num tipo diferente de imagens por si mesmas.
Uma narrativa artística do conflito religioso.
Existem consequências não intencionais
nesse tipo de destruição ardilosa.
Liberada, quase podemos dizer,
da figura de santos e profetas que outrora lotavam as paredes
e com suas janelas transparentes, a Capela da Senhora
foi transformada, dando-nos outra versão da beleza.
Este é um lugar esteticamente agradável.
Com sua luz, arejamento e uma mistura maravilhosa de austeridade e decoração.
E devemos isso à iconoclastia.
Esse tênue equilíbrio entre destruição e criação
geralmente é menosprezado,
mas é o que torna a iconoclastia tão interessante, tão paradoxal.
E fica mais intrigante
quando olhamos para outros palcos da guerra religiosa.
Quando os exércitos muçulmanos invadiram a Índia no século 12,
ficaram horrorizados com o que encontraram.
Este era o lar original da fé Hindu,
onde as pessoas veneravam não apenas um deus, mas milhões.
Ainda pior, os artistas da Índia estavam ocupados
criando uma série infindável de ídolos
indispensáveis para a religião Hindu.
Escritores muçulmanos geralmente descrevem a Índia
como um lugar onde a adoração de imagens enlouqueceu,
como também a origem dos ídolos.
Uma estória conta que os ídolos só se espalharam amplamente pelo mundo
porque foram levados da Índia
pelas águas da inundação de Noé.
Entre essas estória,
fala-se no mundo muçulmano
da destruição em massa dos ídolos e templos Hindus.
E no seu lugar os cruzados muçulmanos construíram isso.
Esta é a primeira mesquita em Déli.
Construída nos anos 1190,
outrora era considerada a mesquita mais impressionante do mundo.
Arcos enormes formam um grande portal,
um minarete proclama o islamismo como a verdadeira fé.
E no centro, cercando o salão de orações,
temos essa extraordinária colunata.
É fácil de imaginar isso
como um santuário para os muçulmanos que a construíram,
uma ilha de islamismo no mundo hindu idólatra.
Mas neste prédio
o mundo hindu não está tão distante quanto pode parecer.
Vários elementos das antigas estruturas e imagens hindus
foram reutilizadas e incorporadas na alvenaria.
Um ponto a ser destacado pela conquista pelo islamismo
era mostrar como os ídolos hindus tinham sido neutralizados.
Mas mesmo tendo sido desfigurados, alguns aspectos
da humanidade dessas figuras humanas foram preservados.
O simples fato, por exemplo,
de terem optado por colocá-las em lugares altos,
sugere um respeito pela forma humana e suas imagens.
Esta mesquita impressionante mostra uma certa apreciação
das mesmas figuras que o islamismo condena.
E assim como na catedral Ely,
demonstra que mesmo nos casos mais graves de iconoclastia,
a arte sobrevive, numa fronteira inseparável da fé.
A destruição também pode levantar grandes questões também.
Quero terminar no espaço religioso mais famoso
e denso do mundo, um lugar que outrora foi lar dos deuses antigos,
posteriormente convertido numa igreja cristã,
e mais tarde numa mesquita.
Construído ao redor de 450 a.c., o Parthenon foi originalmente dedicado
à deusa Atena, e por séculos atrelado às imagens do divino.
Costumava ser o lugar mais abastado, colorido e
religiosamente intenso de todos.
Uma verdadeira fantasmagoria de imagens religiosas.
E para onde quer que olhássemos, existiam oferendas religiosas,
altares de sacrifício e templos.
Apenas o esqueleto da Grécia antiga ou de qualquer outra religião permanecem
atualmente, mas tornou-se o foco de outro tipo de veneração.
É fácil de vir a um lugar como a Acrópole e aceitar
que seja qual for a religião que passou por aqui, já partiu tarde.
Mas acho que devemos ser mais cuidadosos.
Por mais secular que possa ser,
quando as pessoas olham para esse monumento,
quando admiram sua arte e se envolvem com sua mitologia,
estão refletindo sobre questões
que as religiões geralmente nos ajudam a enfrentar.
De onde viemos? Faço parte do quê?
Qual o meu lugar na história humana?
Acho que as pessoas estão envolvidas com uma religião moderna aqui,
aquela que chamamos de civilização.
Uma ideia que se comporta parecido com uma religião.
Oferece grandes narrativas sobre nossas origens e nosso destino.
Reúne as pessoas numa crença compartilhada.
E o Parthenon se tornou um ícone.
Então se me perguntarem, "O que é civilização?"
eu diria, "É pouco mais do que um ato de fé."
A Universidade Aberta produziu um cartaz grátis que explora
a história de diferentes civilizações através de artefatos.
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e siga os links para a Universidade Aberta.
Tradução xara